[CRÍTICA] Más allá de las montañas: La erosión personal y colectiva del paso del tiempo

El director chino Jia Zhangke es uno de los directores asiáticos más reconocidos internacionalmente. Sin embargo, es en su propio país, China, donde su reconocimiento es más bien escaso en comparación con otras figura menos conflictivas. Zhangke aborda en cada una de sus películas una idea en dos niveles, el primero y más cercano, son sus personajes y, en esencia, la historia que nos narra la película. En un segundo plano se encuentra la parte más problemática de su cine para un gobierno como el del gigante asiático; la reflexión, siempre amplia, compleja y llena de matices de la situación de su país y de su sociedad, cristalizada en la pequeña historia que nos cuenta de forma, aparentemente, simple.

[CRÍTICA] Crumbs: Necesitamos más ovnis

Está semana llegó a los cines españoles (de forma muy limitada eso sí), Crumbs. Con nacionalidad etíope y después de su paso por la Sección Oficial de Rotterdam, la película de Miguel Llansó llega a nuestras pantallas (cómo siempre en menos sesiones y salas de las que debería) de la mano de El sur films, pequeña distribuidora que se estrena con esta película en un mercado falto de gente que ponga la mano en el fuego por propuestas tan dispares a lo habitual (su próximo estreno será The tribe de Miroslav Slaboshpitsky).

[CRÍTICA] Anomalisa: todos somos marionetas

Charlie Kaufman. Este nombre puede resultar cinematográficamente familiar, pero Anomalisa es la segunda película de Kaufman en su faceta como director (su primera fue Synecdoche, New York). Su nombre, en vez de “dirigido por”, ha venido precedido los últimos años por “guion de”. Así es, Charlie Kaufman es el escritor de las historias más alocadas e interesantes que ha dado el cine estadounidense desde los 90. Ha escrito los guiones de películas dirigidas por Spike Jonze (Cómo ser John Malkovich, Adaptation. El ladrón de orquídeas), Michel Gondry (Human Nature, ¡Olvídate de mí!) y George Clooney (Confesiones de una mente peligrosa).

El mejor cine español del año: la ceguera de los Premios Goya

Esta entrada podría haberse publicado a principios de enero, a modo de resumen de lo mejor del cine español de este año, sin embargo, ya que nos acercamos a la Gala de los Goya, este año además de aniversario (30 años de Premios de la Academia) parece lo más indicado hablar ahora de cine español. Esta entrada intenta resaltar todos aquellos títulos (lamentablemente, los que he podido ver ya que ninguno es de fácil acceso) que, aunque la Academia ignora, conforman el orgullo de cine español de este año. No entraré a comparar su calidad con las de las nominadas por no resultar demasiado agresivo o caer en excesiva subjetividad en la comparativa. Solo se pretende con esta entrada hacer justicia con varias de las películas más meritorias del año que la Academia no quiere visibilizar ni premiar, las que necesitan y, sobre todo, merecen ser más conocidas y más vistas, un cine fuera de las instituciones, libre y personal, independiente, diferente, diverso y ambicioso.

Gran parte de estas obras dependerían de estos premios para llegar al gran público, muy difíciles de ver, consumir y comprar, la mayoría de estas obras también han sido vistas por distintas secciones de los Festivales de Sevilla o San Sebastián, internacionales como Locarno, Rotterdam o Berlín, nacionales jóvenes como el Festival IBAFF o Filmadrid o en la maravillosa labor del Festival Márgenes que a día de hoy ofrece varios de estos títulos online. Finalmente, cuando llegan a los cines suelen aparecer solo escasas semanas en cartel, en los cines más alternativos de Madrid y Barcelona, su existencia nacional se mueve por salas independientes vinculadas con escuelas o con distintas (todas alabables) iniciativas, incluidas las filmotecas. Además, la mayoría llega a funcionar en pases únicos, en los que suele ser habitual disfrutar del honor de la presencia de su creador o creadores. Todo un lujo que queda reservado en exclusiva, salvo honrosas excepciones, a las más grandes urbes. Estas son algunas de las mejores películas españolas del año que no veremos en "la fiesta del cine español".

[CRÍTICA] Mia Madre: la vida se confunde tras la historia

Nanni Moretti (La habitación del hijo, Caro diario) vuelve con una de las mejores obras de su carrera. Elegida por Cahiers de Cinema como la mejor película del 2015, la nueva obra del director italiano es imperfecta pero encantadora.

[CRÍTICA] La academia de las musas: la inspiración

Primera película española en ganar el Giraldillo de Oro, el gran premio del Festival Europeo de Sevilla, La academia de las musas es el último, y de nuevo sorprendente, trabajo de José Luis Guerin. El veterano director, maestro del mal llamado “otro cine español” vuelve a regalarnos un trabajo de un valor inversamente proporcional al dinero invertido en él. “fijaos en que, normalmente en las películas hay muchos logos antes, veréis que en esta película no los hay” nos dice Guerin antes de que empiece la película directamente sin, como bien ha dicho, ningún logo de ningún mecenas público o privado.

[CRÍTICA] La novia: ¿Este es nuestro cine?

Después de su aclamado paso por San Sebastián y, especialmente, tras sus doce nominaciones a los Goya (pese a lo incrédulos que debemos ser ante el reconocimiento de la Academia), solo parecía caber esperar de La novia una alta (medianamente) calidad cinematográfica, entretenimiento y, siendo una adaptación de la arrebatadora Bodas de Sangre de Federico García Lorca, pasión nacida de las entrañas. Como casi siempre, las cosas no salen como deberían y La novia está muy lejos de ser todo eso.

[CRÍTICA] Langosta: la obligación de estar emparejado

El cineasta griego Yorgos Lanthimos vuelve al cine tras cuatro años de su última película, y viene captando una gran atención, pues, a parte de su reparto internacional (Collin Farrell y Rachel Weisz), la trama es más disparatada que en sus anteriores obras, cosa que parecería impensable: con Canino (2009) conocemos a un matrimonio que ha criado a sus tres hijos adolescentes  sin dejarles salir de su mansión, creando un universo particular absurdo y sin ningún tipo de influencia exterior. En Alps (2011) se describe a un grupo de personas que ofrecen reemplazar a los muertos que han dejado un vacío en las familias afectadas a cambio de dinero.

[CRÍTICA] El puente de los espías: entre el clasicismo y el simple oficio

Steven Spielberg vuelve a ponerse a los mandos de una película, de nuevo, fijando su foco de atención en uno de los momentos clave de la historia de su país, esta vez la Guerra Fría. Pese a los elogios recibidos, la garra de Spielberg parece estar, ya jubilada, pescando en Florida.

[FESTIVALES] Margenes y O Futebol: documental, ficción y viceversa, reivindicando el cine sin etiquetar

El pasado jueves 3 de noviembre asistimos a la inauguración de la V Edición del Festival Márgenes. Tan extraño como necesario, el festival regresa cada año más fuerte e interesante, con una exhibición que une diversos países y ciudades y en la que la programación (después de su exhibición en salas) siempre se puede consumir online. El joven festival sigue reivindicando y dando a conocer el cine que le da nombre, el maravilloso cine de los márgenes.

[CRÍTICA] La calle de la amargura: la extrañeza del realismo

La calle de la amargura es el último trabajo del veterano director mejicano Arturo Ripstein (Profundo carmesí, Principio y fin). Ganadora del Premio a Mejor director  y Mejor dirección artística en el pasado Festival de Gijón, la nueva obra del mejicano es una de esas joyas que, por su escasa distribución pasará desapercibida en cartelera. Lo triste es que por su calidad no debería ser así, un error, por otro lado, más que habitual.

[CRÍTICA] Paulina: el conflicto entre la verdad y la justicia

Tras su excelente debut con El estudiante, Santiago Mitre vuelve con Paulina, la cinta más premiada en la pasada edición del Festival de San Sebastián galardonada con el Premio Horizontes, Premio de la Juventud y Premio RTVE “Otra mirada”. Además, en el Festival de Cannes se llevó el Premio FIPRESCI en la Quincena de realizadores.

[CRÍTICA] Sicario: Un autor en Hollywood, entre el bien y el mal

Sicario puede convertirse en la película que confirme a Denis Villeneuve como un director de masas, cada vez más ambicioso en sus argumentos y más atractivo para la taquilla. El canadiense, probablemente, no se convertirá en el próximo mainstream de la cinefilia, en Nolan o Tarantino, pero sí se está ganando el derecho a ser nombrado como el director más en forma en cuanto al formato de thriller de acción estadounidense. Recordamos nuestra reseña a la más acertada Prisioneros.

[CRÍTICA] The Assassin: la belleza del espacio, la captura del tiempo

“Una de las películas más bellas de la historia”. Con ese merecido título llega a nuestros cines The Assassin, del maestro taiwanes Hou Hsiao-Hsien. El director de hipnóticas maravillas como Millenium mambo o Flores de Shanghai vuelve a la dirección en solitario, después de ocho años, con la que sin duda es su película más ambiciosa. Hou Hsiao-Hsien y su extrema sabiduría fílmica reinventan todo un género como el de artes marciales (wuxia) desde su propia personalidad autoral. Sin embargo, los fans del género se estrellarán completamente, estamos ante algo totalmente diferente, totalmente Hou Hsiao-Hsien.

[CRÍTICA] Rams (El valle de los carneros): descongelando los sentimientos filiales

Quizás nos encontramos ante una de esas pequeñas joyas que, pese a sus múltiples premios, pasan desapercibidas en la cartelera, ya sea porque su autor no es aún conocido, por su nacionalidad, su falta de estrellas o por no adscribirse a un género de mayor tirón. Rams o, en España, El valle de los carneros es un buen ejemplo de este fenómeno. Ganadora de nada más y nada menos que del Premio a Mejor película en Un Certain Regard del Festival de Cannes y de la Espiga de oro en el siempre interesantísimo Festival de Valladolid, la película, de una nacionalidad tan poco transitada como la islandesa, acaba de llegar a nuestros cines.

[CRÍTICA] Una pastelería en Tokio: Cerezos, dorayakis y... ¿qué más?

Dicen que las buenas películas tienen que, en cierto modo, incomodar, romper la barrera emocional del espectador para conseguir permanecer en su memoria como algo trascendente. La filmografía de Naomi Kawase cuenta con varias de estas películas. Quizás sean los mejores ejemplos sus obras más conocidas, El bosque del luto, Suzaku y la mejor, Shara. El año pasado, sin embargo, Kawase ya daba muestras de un cambio más complaciente e inocente en su filmografía. Con Aguas tranquilas la cineasta se fijaba en la juventud y regresaba a su pueblo natal para grabar una bella historia con menos oscuridad que en sus trabajos más conocidos. Una pastelería en Tokio (An en su mucho más cómodo título original) es la confirmación de esta nueva tendencia de la directora nipona.

[CRÍTICA] Truman: pura interpretación

La última película del director catalán Cesc Gay destaca por un reparto impecable, formado por el actor argentino Ricardo Darín y el conocido actor español Javier Cámara. La prueba, a parte de sus perdurables actuaciones, el premio ex aequo a mejor actor para los dos intérpretes en el Festival de San Sebastián.

[CRÍTICA] Truth: lo que esconde la veracidad periodística

El director James Vanderbilt se estrena en la realización después de trabajar durante años como guionista para célebres películas como Zodiac (2007) o The amazing Spider-man (2012). Su salto a la dirección resulta un tanto tardío por varias razones: trata un tema genérico que hace décadas se comenzó a retratar en el cine, se basa en hechos reales que sucedieron hace diez años y, en definitiva, se ha hecho esperar para dar el paso a la dirección cinematográfica.

[CRÍTICA] Mi gran noche: parodiantes parodiados

Como en el Curioso caso de Benjamin Button la madurez cinematográfica de Alex de la Iglesia parece ir decreciendo con cada película de su filmografía. No se debe esperar que el director bilbaíno vuelva a conseguir esa mezcla de cine de terror y de comedia, gamberro, divertido e irónicamente punzante que consiguió con La Comunidad y El día de la Bestia. Ignorando sus trabajos irregulares y menores, De la Iglesia dividió al público con la que parecía ser una segunda fase de su carrera. Me encuentro entre los que, sin compararlas a sus dos grandes obras, reconocen en Balada triste de trompeta y Las Brujas de Zugarramurdi un valiente gusto por el descontrol y una ambición de medios y mezcla de géneros que pocos o ningún cineasta nacional realizaba. Sin embargo, al salir de su último trabajo uno ve el grave peligro que su evolución autoral le puede  deparar a su autor.

[CRÍTICA] The Treasure: ¿para qué buscar un tesoro?

Hemos podido asistir con motivo del Festival PNR de Madrid al preestreno en España del último trabajo del cineasta rumana Corneliu Porumboiu, The treasure (Comoara), la cual volverá a los cines en diciembre en la ya habitual muestra de cine rumano de la capital.